[3B - Aula 8 - A Dança Contemporânea]

...e aeee meus queridos, espero que todos estejam bem (e vivos!)

Bora dar sequencia ao nosso trabalho, enfim, Terceiro Bimestre chegou, falaremos de dança e poxa vida, será que vocês conseguirão pular corda comigo este ano ?

***

DANÇA CONTEMPORÂNEA...O que é afinal?

Dança contemporânea é um tipo de dança que não se limita a um conjunto de técnicas específicas, abrangendo assim uma variedade de gêneros, ritmos, formas e performances. Por esta razão, é considerada uma dança abstrata e em constante transformação.

Esta modalidade de dança se desenvolveu em meados do século XX (1950 / 1960), tornando-se popular na década de 1980. A sua crescente popularidade se justifica, em parte, pelo fato deste gênero de dança não se prender aos padrões estéticos clássicos.

A dança contemporânea se caracteriza por propor intensas inovações e experimentações coreográficas, que muitas vezes misturam ritmos como o ballet, o jazz e o hip hop Vamos dar uma olhadinha no vídeo abaixo?

...então, curtiram ? Viram influencias do jazz, ballet, hip hop em algum momento ? E a música, é interessante, casa com todo o resto ?

Como dito, não existem técnicas pré-definidas, sendo o processo criativo do conceito ou ideia a ser transmitida pela coreografia o ponto central da dança contemporânea.

A sua não limitação possibilita ao bailarino autonomia para construir suas próprias coreografias a partir de métodos como a improvisação, o contato com o chão ou com outro personagem cênico e a utilização de figurinos interativos, por exemplo.

A criação dentro da dança contemporânea é um processo que alia os métodos da composição coreográfica. Desde situações rotineiras até temas polêmicos podem servir de base para a concepção do conceito de uma coreografia.

Espetáculo CRIA, da Cia. Suave.

Ela também traz à tona a inserção de outros elementos artísticos para a dança, como o vídeo, a fotografia, as artes visuais, e a cultura digital como um todo. Esses aspectos permitem uma transformação de movimentos reais em virtuais e vice-versa, modificando a percepção do que se entende como movimento.

Outra parte importante para o processo criativo na dança contemporânea é o corpo humano. Sua fisiologia e anatomia ganham uma importância para a coreografia, pois possibilita que o bailarino tenha uma melhor conscientização dos seus movimentos.

Características da dança contemporânea

Como visto, a dança contemporânea rompeu com padrões ao fugir da "formatação" tradicional dos gêneros clássicos. Desta forma, consolidou-se como uma manifestação artística única e revolucionária.

As suas principais características são:

• Não existem técnicas predefinidas;
• Não existem limitações de movimentos, vestuário ou músicas;
• Valorização da constante experimentação e inovação;
• Importância da transmissão do conceito, ideia e sentimento que a coreografia propõe;
• Valorização da criação coreográfica individual;
• Valorização das improvisações;
• Mistura de outros elementos artísticos à dança (vídeo, fotografia, artes visuais e digitais, etc).

Veja abaixo um exemplo de coreografia típica da dança contemporânea que explora o uso de roupas, acessórios, cenografia e outros aspectos de modo único e criativo:

...quais diferenças você consegue pontuar entre o video que acabamos de assistir e o anterior? Aliás, ao seu olhar, existe semelhanças? Qual mais te interessou e porque ? Tbm consegue distinguir símbolos do ballet, do jazz, hip hop na construção deste trabalho?

Dança Contemporânea no Brasil

No Brasil, a dança contemporânea teve o seu início em meados da década de 40, por meio do casal Klauss e Angel Vianna.

Klauss (1928 - 1992) foi pioneiro na pesquisa e desenvolvimento da técnica somática, criada com o objetivo de proporcionar a consciência corporal dos seus praticantes, trabalhando corpo e mente, além da manutenção de sua saúde.

Ela utiliza técnicas que ampliam o treinamento técnico em dança. Ele também foi o primeiro bailarino a utilizar o termo “expressão corporal” no Brasil.

Então, esta nossa aula, vai ser bem mais visual do que as demais, logo após, vocês irão assistir um pequeno documentario sobre o trabalho de Klauss Vianna....

Já conheciam Klauss Vianna? Ouviram falar ou viram algo sobre? Na verdade, você tinha noção da Dança contemporânea no Brasil? No bimestre passado, falamos de teatro, olha que bacana  ligação que um estilo de arte cria laços e se comunica com o outro...

...então para começarmos a falar sobre o assunto, como nossa primeira ATIVIDADE, façamos uma pesquisa sobre quem é, foi: Klauss Vianna e qual sua importância para construção artística do nosso país.

ENTREGA DA ATIVIDADE ATÉ 15/08/2020
via e-mail:   rafaelribeironunes@prof.educacao.sp.gov.br ou whastapp!

Por hoje é só pessoal, semana que vem, parte II de Dança Contemporânea...

Bjo pro'cês...
[rafa.]

[9B - Aula 6 - Imagem e Ilusão (Op-Art)]

...e ai pessoas...espero que estejam todos bem !

E bem vindos ao Terceiro Bimestre !!!

O que é ilusão de Ótica?

“A interpretação do que vemos no mundo exterior é uma tarefa muito complexa.

Já se descobriram mais de 30 áreas diferentes no cérebro usadas para o processamento da visão.
Umas parecem corresponder ao movimento, outras à cor, outras à profundidade (distância) e mesmo à direção de um contorno.

E o nosso sistema visual e o nosso cérebro tornam as coisas mais simples do que aquilo que elas são na realidade.

E é essa simplificação, que nos permite uma apreensão mais rápida (ainda que imperfeita) da «realidade exterior», que dá origem às ilusões de óptica.”

Talvez um dos primeiros artistas que tenha usado este conceito tenha sido Giuseppe Arcimboldo (1527-1593).

OP- ART (Arte e Ilusão)

O que sente ao ver a imagem acima? Ela incomoda ou não? Tem movimento?

O termo op art é uma abreviação da expressão em inglês optical art e significa "arte ótica" - uma forma de arte que explora determinados fenômenos óticos com a finalidade de criar obras que pareçam vibrar ou cintilar. Contudo, diferentemente da arte cinética, a obra efetivamente não se movimenta e, por vezes, é o observador quem deve se deslocar, ou movimentar os olhos, para ter essa impressão sobre a obra, nascida da ilusão de ótica. Como podemos ver acima !

Victor Vasarely, Supernovae, 1959-61

Os artistas do movimento op art defendiam a idéia de que a arte deveria ter "menos expressão e mais visualização". Ainda segundo eles, apesar do rigor com que é construída, a obra simboliza um mundo mutável e instável, que não se mantém nunca o mesmo. Os trabalhos de op art são, em geral, abstratos concretos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se. E, diferentemente do concretismo, onde existe um equilíbrio estático entre as figuras geométricas que compõem a obra, na op art as figuras são colocadas de maneira a causar no observador uma sensação de movimento...

O pintor húngaro Victor Vasarely (1908-1997) é o precursor da op art, surgida nos anos 30. Alguns de seus trabalhos - tais como "Zebra" (1938), que é inteiramente composto por listas diagonais em preto e branco, curvadas de tal modo que dão a impressão tridimensional de uma zebra - são considerados os primeiros dedicados à op art. Apesar desse impulso inicial, a op art demorou a ter destaque, ganhando força efetivamente nas décadas de 1950 e 1960. No Brasil, um dos principais artistas da op art foi o escultor, pintor e desenhista Luiz Sacilotto (1924-2003). Veja, abaixo, um dos seus trabalhos:

Sacilotto, Concreção 8079, 1980

...um pouco de história...

A “Op Art” ou “Optical Art” (Arte Ótica) foi um movimento artístico que atingiu seu auge na década de 60 nos Estados Unidos.

Em Nova York, ocorreu a primeira exposição no Museu de Arte Moderna (MOMA) intitulada “The Responsive Eye” (O Olho que Responde), em 1965.

Baseado em recursos visuais, sobretudo na ilusão de ótica, esse movimento que expressa a mutabilidade do mundo e suas ilimitadas possibilidades, é fundamentado no mote “menos expressão e mais visualização”.

Principais Características

As características do movimento Op Art são:

• Tridimensionalidade
• Efeitos óticos e visuais
• Movimento e contraste de cores
• Tons vibrantes (principalmente preto e branco)
• Formas geométricas e linhas
• Observador participante
• Estilo abstrato

Principais Artistas e Obras

Os principais representantes do movimento da Op Art foram:

• Victor Vasarely (1908-1997): artista húngaro considerado o “Pai da Op Art”. Foi influenciado pela arte cinética, construtivista e abstrata bem como ao movimento de Bauhaus, donde destaca-se sua obra “Zebra” (1938).
• Alexander Calder (1898-1976): Conhecido por Sandy Calder, o artista estadunidense é famoso

  

  Alexander Calder
  

  pelos “mobiles”, objetos compostos pela associação de formas geométricas (sobretudo retangulares) ao movimento do ar. Suas obras mais representativas são: Sem título (1931), Cone de Ébano (1933) e A Espiral (1958).
• Luiz Sacilotto (1924-2003): principal representante da Op Arte e da arte concreta no Brasil, produziu esculturas e pinturas das quais se destacam: Estruturação com Elementos Iguais (1953) e Concreção 7553 (1975)
• Adolph Frederick Reinhardt (1913-1967): conhecido com Ad Reinhardt, foi um artista estadunidense que se aproximou do movimento do expressionismo abstrato, da arte conceitual e minimalista. Muito famoso por suas pinturas "negras" na década de 60.
• Jesús-Raphael Soto (1923-2005): artista venezuelano famoso pelos seus “penetráveis”, obra destinadas a penetração do público como forma de interagir com o produto artístico; destacam-se Estrutura cinética (1957), Volume suspendido (1967) e Paralelas vibrantes (1969).
• Kenneth Noland (1924-2010): pintor estadunidense, destacou-se com suas obras abstratas com vibração ótica unidas ao estilo denominado “Color Field”, intimamente ligado ao expressionismo

  

  Jesús-Raphael Soto

  abstrato.
• Richard Allen (1933-1999): pintor britânico explorou a arte cinética, a op art, o minimalismo e a arte geométrica abstrata. Das obras da Op Art destacam-se os “Estudos para pinturas de Op de preto e branco” (1963-1972).

Curiosidade

Outros artistas que merecem destaque na Op Art são: Larry Poons, Yaacov Agam, Bridget Riley e Youri Messen-Jaschin, Tony Delap, Josef Albers e Heinz Mack

ATIVIDADE (Entrega até 15/08/2020)

1.  Dê um passeio pelas pesquisas na internet sob o tema OP ART, vá até o banco de imagens, verifique uma delas (a que lhe chamar mais atenção) e faça uma reprodução deste trabalho, juntamente com um pequeno texto de quais a sensações que esta reprodução lhe causou enquanto produzia.

PS: Por enquanto utilizaremos a técnica monocromática (em preto e branco), como exemplos abaixo!

...e por hoje é só pessoal!
Bjo pro'cês...

[rafa.]

Op art - Arte e ilusão de ótica... - Veja mais em https://educacao.uol.com.br/disciplinas/artes/op-art-arte-e-ilusao-de-otica.htm?cmpid=copiaecola

Op art - Arte e ilusão de ótica... - Veja mais em https://educacao.uol.com.br/disciplinas/artes/op-art-arte-e-ilusao-de-otica.htm?cmpid=copiaecola

Op art - Arte e ilusão de ótica... - Veja mais em https://educacao.uol.com.br/disciplinas/artes/op-art-arte-e-ilusao-de-otica.htm?cmpid=copiaecola

[2A - Aula 7 - Arte Contemporânea - Parte I]

...eita que chegamos vivos (eu acho, né!?) no Terceiro Bimestre! Ufa...

Bora pro que interessa?

ARTE CONTEMPORÂNEA...

A arte contemporânea é uma tendência que originou-se como desdobramento - e superação - de manifestações artísticas modernas. Por conta disso, pode ser chamada também de arte pós-moderna.

Surgida na segunda metade do século XX, essa vertente constitui uma nova forma de produzir e apreciar arte, sendo produzida até os dias de hoje.

Mais preocupada em aliar a vida cotidiana ao universo artístico, a arte contemporânea tende a unir diferentes linguagens.

A artista contemporânea Yayoi Kusama, de origem nipônica, posa em frente a uma de suas obras

...e arte contemporânea conta que...

...começa a dar frutos a partir de movimentos como a pop art e o minimalismo, que tiveram como solo fértil os EUA na década de 60.

Nesse momento, o contexto que se vivia era do pós-guerra, do desenvolvimento tecnológico e do fortalecimento do capitalismo e da globalização.

Assim, a indústria cultural, e consequentemente a arte, sofreram grandes transformações que deram as bases para o surgimento do que hoje chamamos de arte contemporânea.

Esse novo fazer artístico começa a valorizar mais as ideias e o processo artístico em detrimento da forma final ou do objeto, ou seja, os artistas passam a buscar o estímulo a reflexões sobre o mundo e sobre a própria arte. Além disso, empenham-se em aproximar a arte da vida comum.

Nesse sentido, a pop art com seus expoentes Andy Warhol, Roy Lichtenstein e outros artistas, cria um cenário cultural propício para a arte contemporânea.

A pop art pode ser considerada um "estopim" para arte contemporânea. Aqui, obra de Andy Warhol, Marilyn Monroe (1962)

Isso porque essa vertente via na cultura de massas seu suporte fundante, utilizando histórias em quadrinhos, publicidade e até mesmo celebridades como material de criação, aproximando o público do universo artístico.

Da mesma forma, o minimalismo e pós-minimalismo (no fim dos anos 50 e nos anos 60) oferecem a oportunidade para se pensar a união entre linguagens como a pintura e a escultura, assim como a utilização do espaço de maneira inovadora, seja ele o ambiente da galeria, os espaços públicos urbanos ou em meio à natureza.

Posteriormente, novos desdobramentos ocorreram e possibilitaram o surgimento de outras formas de expressão, como performances, videoarte, instalações e outras.

CARACTERÍSTICAS...

A arte contemporânea, por estar inserida em um mundo com grande fluxo de informações e inovações tecnológicas e midiáticas, se utiliza desses recursos como forma de comunicação.

Além disso, quebra as barreiras no que diz respeito às linguagens da arte, unindo tipos diversos de fazer artístico em uma obra, afastando-se dos suportes tradicionais.

Essa é uma tendência que valoriza a aproximação entre a arte e a vida, muitas vezes trazendo reflexões de âmbito coletivo, aliando política e imaterialidade. Traz ainda novas personagens e assuntos, como por exemplo a questão racial, patriarcado, questões de sexualidade e gênero, desigualdades e outras.

Herdando o espírito contestador dos dadaístas, a arte contemporânea tem ainda a preocupação de investigar a si mesma, carregando indagações sobre conceitos artísticos e fomentando a velha pergunta "Afinal, o que é arte?".

Outra característica interessante é a valorização da interação entre o público e a obra, muitos artistas optam por caminhos em que buscam proporcionar uma experiência única nas pessoas que entram em contato com as obras.

Arte Contemporânea no Brasil

Normalmente as novas vertentes artísticas tendem a aparecer no Brasil depois de certo tempo em que já estão ocorrendo em outros lugares, como Europa e EUA, basicamente. Entretanto, no caso da arte contemporânea, esse espaçamento de tempo não foi tão grande.

Em terras brasileiras, pode-se dizer que esse tipo de arte tem início com os neoconcretistas, que fundam um Manifesto Neoconcreto em 1959. Os responsáveis pelo documento foram Amilcar de Castro (1920-2002), Ferreira Gullar (1930-2016), Franz Weissmann (1911-2005), Lygia Clark (1920-1988), Lygia Pape (1927-2004), Reynaldo Jardim (1926-2011) e Theon Spanudis (1915-1986).

Obra integrante da série Bichos, de Lygia Clarck, produzida entre 1960 e 1964

Outro nome fundamental para a arte contemporânea nacional é Hélio Oiticica (1937-1980), que ganhou inclusive projeção fora do país.

Um grande momento também de efervescência da arte brasileira contemporânea foi marcado pela exposição Como vai você, Geração 80?, realizada no Rio de Janeiro, no Parque Lage em 1984.

A mostra reuniu 123 artistas e teve como objetivo mapear produções variadas da época. Participaram artistas que se tornaram referências, como Alex Vallauri (1949-1987), Beatriz Milhazes (1960), Daniel Senise (1955), Leda Catunda (1961) e Leonilson (1957-1993).

As Bienais Internacionais de São Paulo são também grandes centros culturais que apontam resultados e experimentações no território artístico brasileiro.

Principais artistas contemporâneos

São muitas as pessoas que se dedicaram e se dedicam a produzir arte contemporânea no Brasil e no mundo. Listar todos os artistas importantes dentro desse universo seria uma tarefa de enormes proporções. Conheça alguns:

Grupo Fluxus

O Grupo Fluxus foi um movimento artístico que existiu na década de 60 e contava com diversos artistas que se utilizavam de variados suportes para produzir uma arte contestadora, provocativa e ousada. O grupo foi essencial para a consolidação da arte contemporânea no mundo.

Yoko Ono em performance Cut Piece (1966) em que o público corta as vestes da artista

Fluxus foi assim batizado porque o termo latino deriva de fluxu, que quer dizer "escoamento", "fluidez". Os artistas do movimento acreditavam em uma maior integração entre a arte e a vida

Seus integrantes estavam presentes em diversos países, foram eles:

• França: Ben Vautier (1935)
• Estados Unidos - Higgins (1938-1998), Robert Watts (1923-1988), George Brecht (1926), Yoko Ono (1933)
• Japão - Shigeko Kubota (1937), Takato Saito (1929)
• Países nórdicos - Per Kirkeby (1938)
• Alemanha - Wolf Vostell (1932-1998), Joseph Beuys (1912-1986), Nam June Paik (1932-2006).

Dick Higgins, artista americano que participou do grupo, certa vez definiu o movimento da seguinte forma:

Fluxus não foi um momento na história ou um movimento artístico. É um modo de fazer coisas [...], uma forma de viver e morrer.

Marina Abramović (1946-)

Marina Abramović nasceu na Sérvia e é considerada uma das artistas contemporâneas mais importantes, isso por seu papel essencial na linguagem da performance nos anos 70.

Junto com seu ex-companheiro, o artista alemão Ulay, criou obras que testam seus próprios limites, abordando assuntos como tempo, identidade e relações amorosas.

A última performance que realizaram foi feita como marco da separação do casal, que caminhou quilômetros, encontrando-se na Muralha da China.

Abaixo, podemos ver uma imagem da performance The artist is present, apresentada no MoMa em 2010, em Nova Yorque. Na ocasião, Marina passou várias horas sentada trocando olhares com o público.

O que ela não sabia é que Ulay estava presente na exposição. Ele sentou-se em frente da artista e o reencontro depois de muitos anos foi emocionante.

Marina Abramovic em performance em 2010 reencontra seu antigo parceiro de vida e arte

 

Vamos ver um pouquinho de Marina Abramovic...

Hélio Oiticica (1937-1980)

Hélio Oiticica foi um artista brasileiro de renome no cenário nacional. Trabalhou com suportes como escultura, performance, pintura.

Hélio foi bastante atuante, participando de movimentos importantes como o Grupo Frente (1955 e 1956) e o Grupo Neoconcreto (1959).

Sua grande contribuição foi em torno da compreensão do espaço, partindo do bidimensional para o tridimensional.

Hélio inovou também ao unir o corpo à obra de arte. Um exemplo clássico são os famosos Parangolés, esculturas coloridas em tecido que as pessoas vestiam.

A obra Parangolés, feita nos anos 60 por Hélio Oiticica, é bastante representativa da arte contemporânea

Rosana Paulino (1967-)

Rosana Paulino é uma artista brasileira que apresenta trabalhos com forte questionamento acerca de temas importantes, como o racismo estrutural e a situação feminina no Brasil.

Ela exibe produções em linguagens diversas, como o bordado, escultura, desenho, fotografia.

Na obra abaixo, intitulada Bastidores (1997), são apresentadas fotografias de mulheres negras em bastidores de madeira. Suas bocas e olhos são costurados, fazendo alusão à impotência e silenciamento das vítimas de violência doméstica e, em um sentido mais amplo, da opressão social.

Bastidores (1997), de Rosana Paulino

Banksy

O artista inglês Banksy é um dos mais aclamados atualmente. Pouco se sabe sobre sua identidade real, que ele faz questão de manter como mistério.

Geralmente, suas obras são feitas nas ruas de grandes cidades. São pinturas produzidas com a técnica de stencil e carregam grandes questionamentos sobre a sociedade de consumo, valores, princípios morais e sociais.

Os trabalhos estão presentes em vários lugares do mundo, como Inglaterra, Barcelona, França, Viena, Austrália, EUA e Oriente Médio.

Pintura Shop Until You Drop (2011), feita em Londres por Banksy

ATIVIDADE:

1. Faça uma busca sobre os trabalhos de MARINA ABRAMOVIC, e monte uma pesquisa sobre, assista alguns vídeos, de uma aproximada em relação ao trabalho desta artista e de, juntamente a sua pesquisa, quais suas impressões desta expressão artística.

ENTREGA DIA 14/08.

Por hoje é só e semana que vem tem a parte II sobre o tema !

Bjo pro'cês...
[rafa.]

[1A /B/D - Aula 8 - Maneirismo]

...e ai pessoas, bora entrar no Terceiro e penúltimo bimestre deste fatídico ano!

Logo após o Renascimento, a arte toma novos caminhos, dos quais, a Arte Moderna, neste ponto ainda é chamada de figurativa. Bem vindos ao...

MANEIRISMO

O maneirismo surgiu em uma época que foi marcada por grandes mudanças na economia, na política, na cultura e na religião. Na política, pode-se citar a invasão da Itália pela França, Alemanha e Espanha, causando depois o Saque de Roma, que resultou em uma grande devastação, culminando na fuga de diversos artistas e intelectuais para outros lugares. Na economia, a abertura de novas rotas comerciais graças às Grandes Navegações deixa a Itália fora do centro do comércio internacional.  Na religião, o Concílio de Trento é responsável pelo fim da liberdade nas relações entre Igreja e arte (a partir daí, o tema, a forma de tratamento, a escolha das cores, dentre outras características, precisam ser todas aprovadas anteriormente pelo crivo dos censores da igreja).

Apesar de tais mudanças, a cultura italiana conseguiu manter seu prestígio internacional, aproveitando-se da espoliação de bens sofridos por ela para disseminar sua influência para os locais mais afastados do continente.

Características

• Se desenvolveu na Europa aproximadamente entre 1515 e 1600
• Originou-se na Itália, influenciando a cultura de praticamente todas as nações europeias
• Deliberada sofisticação intelectualista
• Valorização da originalidade e das interpretações individuais
• Dinamismo
• Complexidade das formas
• Artificialismo no tratamento dos seus temas
• Objetivava conseguir maior emoção, elegância, poder ou tensão
• Contradição/Conflito
• O nome do movimento tem a ver com o estilo pessoal de cada autor (já que cada um realizava suas obras de sua maneira)
• Com o tempo, o termo passou a ter significado negativo, pois foi estilo passou a significar artificialidade e virtuosismo excessivo
• Heterogeneidade
• Em contraste com o renascimento, rejeita a cópia servil da natureza

Arquitetura Maneirista: Palácio de Fontainebleau, França

O maneirismo possui duas fases, em que a primeira (c. 1515 – c. 1530) é conhecida como a fase anticlássica do Maneirismo, período em que fundaram novos centros regionais e estimularam o trabalho de um grande número de artistas. Já na segunda, chamada de Alto Maneirismo, o estilo era predominante na Europa, com o intelectualismo e a virtuosidade sendo necessários para uma boa arte, com os artistas encontrando no período sua originalidade e a maneira pessoais, sentindo-se livres para realizarem pesquisas ainda mais extravagantes. O declínio do Maneirismo na Itália ocorre entre 1580 e 1590, quando o classicismo naturalista e seus valores são reavivados, demorando até o século XVII para findar em outros países.

Arquitetura:

Biblioteca Medicea Laurenziana (Michelangelo)

No maneirismo, surge uma geração de arquitetos fortemente individualista, que se permitem grandes liberdades formais e foram responsáveis pela transição entre Renascimento e Barroco.

Os maneiristas acreditavam que a arquitetura devia ser feita através de uma união entre regras pré-definidas e a liberdade do próprio criador, o que os abriu espaço para a livre experimentação.

Dentre os arquitetos maneiristas, pode-se destacar Andrea Palladio, Giulio Romano, Antonio da Sangallo, Giacomo della Porta e Jacopo Vignola.

As principais características maneiristas encontradas na arquitetura são as ilusões de perspectiva, a alteração nos ritmos estruturais, a desvirtuação da funcionalidade de certos elementos e a sensível flexibilização nas proporções da volumetria.

Michelangelo, um dos grandes nomes do Renascimento, conseguiu conquistar tal liberdade, conduzindo novos arquitetos a produzirem obras cada vez mais únicas e personalistas (acabando com a prática dos sistemas de guildas) sem deixar o elementos clássicos de lado, aplicando-os agora de forma eclética e experimental.

Palácio de Fontainebleau, França

Pintura

Agnolo Bronzino -
Vênus, Cupido e o Tempo (Alegoria da Luxúria)

Uma das mudanças mais dramáticas introduzida na Pintura pelo Maneirismo foi a transformação da noção de espaço.

A pintura maneirista vai de encontro às características da pintura renascentista, que utilizada da perspectiva clássica,  ao usar diferentes pontos de vista coexistindo em um mesmo quadro, com ausência de existência de uma hierarquia lógica nas proporções das figuras existentes, sendo comum a cena principal posta a distância, com elementos secundários a frente na tela.

Dentre os pintores Maneiristas por toda a Europa, destacam-se: Rosso Fiorentino, Jacopo da Pontormo, Michelangelo (em sua fase madura), Parmigianino, Agnolo Bronzino, Jacopo Tintoretto, Giuseppe Arcimboldo, El Greco e os integrantes da Escola de Fontainebleau.

Características:

• Figuras com proporções alongadas; em posições dinâmicas; contorcidas
• Cenas com grupos cheios de movimento e tensão
• Aversão ao vazio (cena principal cercada por vários elementos decorativos)
• Intensidade do drama
• Referências literárias e citações visuais a outros autores

Giuseppe Arcimboldo - As Quatro Estações

Escultura

Michelangelo -
Pietà de Florença, 1550

Umas das características principais da escultura Maneirista é a Figura Serpentinata. Além de sua eficiência plástica, ela estava carregada de simbologia. Enquanto que a espiral simples, num único sentido, era uma imagem da infinitude, da transcendência, dos ciclos e da metamorfose, a espiral dupla, com dois sentidos, era seu oposto, e significava a mortalidade e o conflito.

Além da figura serpentinata, outra característica da escultura Maneirista e a concepção de que a beleza é abstrata, enquanto o ornamento é material, estabelecendo uma ligação entre a beleza e as imperfeições da matéria.

Dentre os escultores Maneirista podemos citar: Michelangelo (em sua fase final), Bartolomeo Ammannati, Giambologna, Pierre Franqueville, Juan de Juni e Adriaen de Vries.

Características:

• Formas caprichosas
• Proporções estranhas
• Superposições de planos
• Exagero nos detalhes
• Atmosfera de tensão
• Contorções extremadas
• Exagerados alongamento dos músculos
• Posições impossíveis

Juan de Juni - O Santo Enterro

Aspectos em outros meios artísticos

Sagrada Família com pastores e anjos,
Parmigianino

Desenho

Enquanto a pintura é fruto de um trabalho minucioso e esforçado, o desenho é uma arte que transmite monumentalidade às figuras.

Os principais nomes que contribuíram para essa técnica foram Pontormo, Parmigianino e Tintoretto.

Características

• Ausência ou minimização das cores
• Centro do interesse se concentra na linha e nos valores plásticos que podem ser obtidos por ela
• Considerado uma categoria autônoma no universo das artes (importância como base e esboço da obra final)

Gravura

O Cavaleiro, a morte e o Diabo, 1513

No século XV já existiam escolas de gravadores em vários países da Europa, mas principalmente na Alemanha, nos Países Baixos e no norte da Itália. Ela era usada na maioria das vezes na ilustração de livros e na divulgação de pinturas célebres, mas também haviam praticantes da arte de forma autônoma.

A partir da metade do século XVI, com Dürer e Mantegna, as gravuras começam a ser predominantemente menores que se dedicam mais à cópia de pinturas e desenhos do que propriamente à criação, havendo diversos copistas que possuíam técnicas impecáveis.

Os principais nomes que contribuíram para a gravura foram Jacques Bellange, Jean Duvet, Hendrik Goltzius, Maarten van Heemskerck,Ugo da Carpi, Battista Franco Veneziano, Giorgio Ghisi, Daniel Hopfer, Sebald Beham, Ägidius Sadeler e Jacob Matham, etc.

Ornamentos

Relevos da Escada do Rei no Castelo de Fontainebleau, Francesco Primaticcio

Tratando-se de ornamentos, pode-se encontrar escultura aplicadas em retábulos, púlpitos, altares e outros elementos decorativos das igrejas; aos frisos e estuques dos edifícios profanos.

ATIVIDADES PARA ENTREGA ATÉ DIA: 14/08/2020

1. Faça uma pesquisa sobre vida e obra do artista Giuseppe Arcimboldo, priorizando seu trabalho na pintura.

2. Quais são as principais caracteristicas do Maneirismo?

Por hoje é só pessoal!
Bjo pro'cês...

[rafa.]